La vita e l'arte di Mark Rothko

Mark Rothko (1903-1970) fu uno dei membri più noti della Espressionista astratto movimento, noto principalmente per il suo dipinti a colori. I suoi famosi dipinti su campo cromatico di grandi dimensioni, costituiti esclusivamente da grandi blocchi rettangolari di colore fluttuante e pulsante, avvolgere, connettersi e trasportare lo spettatore in un altro regno, un'altra dimensione, liberando lo spirito dai confini del quotidiano fatica. Questi dipinti spesso bagliore dall'interno e sembrano quasi vivi, respirano, interagiscono con lo spettatore in un dialogo silenzioso, creando un senso di il sacro nell'interazione, che ricorda la relazione Io-Tu descritta dal famoso teologo Martin Buber.

A proposito della relazione del suo lavoro con lo spettatore Rothko ha dichiarato: “Un'immagine vive per compagnia, espandendosi e accelerando agli occhi dell'osservatore sensibile. Muore per lo stesso motivo. È quindi rischioso inviarlo nel mondo. Quante volte deve essere compromessa dagli occhi dell'insensibilità e dalla crudeltà dell'impotente. " Ha anche detto: 'Non mi interessa il rapporto tra forma e colore. L'unica cosa che mi interessa è l'espressione delle emozioni di base dell'uomo: tragedia, estasi, destino.

Rothko è nato Marcus Rothkowitz il 25 settembre 1903 a Dvinsk, in Russia. Venne negli Stati Uniti nel 1913 con la sua famiglia, stabilendosi a Portland, nell'Oregon. Suo padre morì poco dopo l'arrivo di Marcus a Portland e la famiglia lavorò per un'azienda di abbigliamento di cugini per sbarcare il lunario. Marcus era uno studente eccellente, ed è stato esposto alle arti e alla musica durante questi anni, imparando a disegnare e dipingere, e a suonare il mandolino e il pianoforte. Crescendo si interessò alle cause socialmente liberali e alla politica di sinistra.

Nel settembre del 1921 frequentò la Yale University, dove rimase per due anni. Ha studiato arti e scienze liberali, ha co-fondato un quotidiano liberale e si è sostenuto con lavori strani prima di lasciare Yale nel 1923 senza laurearsi per dedicarsi alla vita come artista. Si stabilì a New York City nel 1925 e si iscrisse alla Arts Students League dove gli fu insegnato dall'artista, Max Weber, e Parsons School of Design, dove ha studiato con Arshile Gorky. Ritorna periodicamente a Portland per visitare la sua famiglia e si è unito a una compagnia di recitazione mentre era lì una volta. Il suo amore per il teatro e il teatro ha continuato a svolgere un ruolo importante nella sua vita e arte. Dipinge scenografie e racconta dei suoi dipinti: "Penso ai miei quadri come a un dramma; le forme nelle mie immagini sono gli artisti ".

Dal 1929 al 1952 Rothko insegnò arte ai bambini alla Center Academy, Brooklyn Jewish Center. Gli piaceva insegnare ai bambini, sentendo che le loro risposte non filtrate alla loro arte lo aiutavano a catturare l'essenza dell'emozione e della forma nel suo lavoro.

La sua prima mostra personale è stata nel 1933 alla Contemporary Arts Gallery di New York. All'epoca, i suoi dipinti consistevano in paesaggi, ritratti e nudi.

Nel 1935 Rothko si unì ad altri otto artisti, tra cui Adolph Gottlieb, per formare un gruppo chiamato The Ten (anche se c'erano solo nove), che, influenzato da Impressionismo, formato in segno di protesta per l'arte che in quel momento era tipicamente esposta. I Dieci divennero i più famosi per la loro mostra "I dieci: Whitney Dissenters", che fu aperta alle Mercury Galleries tre giorni dopo l'apertura del Whitney Annual. Lo scopo della loro protesta è stato dichiarato nel introduzione al catalogo, che li descrisse come "sperimentatori" e "fortemente individualisti" e spiegò che lo scopo della loro associazione era quello di attirare l'attenzione sull'arte americana che non era letterale, non rappresentativa e preoccupata del colore locale, e non "solo contemporaneo" in senso strettamente cronologico. "La loro missione era" protestare contro la rinomata equivalenza della pittura e della letteratura americana pittura."

Nel 1945 Rothko si sposò per la seconda volta. Con la sua seconda moglie, Mary Alice Beistle, ebbe due figli, Kathy Lynn nel 1950 e Christopher nel 1963.

Dopo molti anni di oscurità come artista, gli anni '50 alla fine portarono il plauso di Rothko e nel 1959 Rothko fece una grande mostra personale a New York al Museum of Modern Art. Negli anni dal 1958 al 1969 lavorò anche a tre importanti commissioni: murales per il Holyoke Center dell'Università di Harvard; dipinti monumentali per il ristorante Four Seasons e il Seagrams Building, entrambi a New York; e dipinti per la cappella Rothko.

Rothko si suicidò all'età di 66 anni nel 1970. Alcuni pensano che i dipinti scuri e cupi che ha fatto alla fine della sua carriera, come quelli per la Cappella Rothko, prefigurano il suo suicidio, mentre altri considerano quelle opere un'apertura dello spirito e un invito a una maggiore spiritualità consapevolezza.

Rothko fu incaricato nel 1964 da John e Dominique de Menial di creare uno spazio meditativo riempito con i suoi dipinti creati appositamente per lo spazio. La cappella Rothko, progettata in collaborazione con gli architetti Philip Johnson, Howard Barnstone e Eugene Aubry, alla fine fu completato nel 1971, anche se Rothko morì nel 1970, quindi non vide la finale costruzione. È un edificio di mattoni ottagonale irregolare che contiene quattordici dipinti murali di Rothko. I dipinti sono i rettangoli galleggianti caratteristici di Rothko, sebbene siano di colore scuro: sette tele con rettangoli neri con bordi duri su fondo marrone e sette dipinti tonali viola.

È una cappella interreligiosa che la gente visita da tutto il mondo. Secondo Il sito web della Cappella Rothko, "La cappella Rothko è uno spazio spirituale, un forum per leader mondiali, un luogo di solitudine e di incontro. È un epicentro per attivisti per i diritti civili, una quieta perturbazione, un'immobilità che si muove. È una destinazione per le 90.000 persone di tutte le fedi che visitano ogni anno da tutte le parti del mondo. È la sede del premio Óscar Romero. "La cappella Rothko è iscritta al registro nazionale dei luoghi storici.

Ci furono una serie di influenze sull'arte e sul pensiero di Rothko. Da studente tra la metà e la fine degli anni 1920, Rothko fu influenzato da Max Weber, Arshile Gorky e Milton Avery, dai quali imparò modi molto diversi di avvicinarsi alla pittura. Weber gli insegnò il cubismo e la pittura non rappresentativa; Gorky gli insegnò il surrealismo, l'immaginazione e le immagini mitiche; e Milton Avery, con cui è stato un buon amico per molti anni, gli ha insegnato a usare sottili strati di colore piatto per creare profondità attraverso relazioni di colore.

Come molti artisti, Rothko ha anche ammirato molto i dipinti del Rinascimento e la loro ricchezza di tonalità e apparente bagliore interno raggiunto attraverso l'applicazione di più strati di sottili smalti di colore.

Come uomo di apprendimento, altre influenze includevano Goya, Turner, gli impressionisti, Matisse, Caspar Friedrich e altri.

Rothko ha anche studiato Friedrich Nietzsche, filosofo tedesco del XIX secolo, e leggi il suo libro, La nascita della tragedia. Incorporò nei suoi dipinti la filosofia di Nietzsche sulla lotta tra Dionisiaco e Apolloniano.

Rothko fu anche influenzato da Michelangelo, Rembrandt, Goya, Turner, gli impressionisti, Caspar Friedrich e Matisse, Manet, Cezanne, solo per citarne alcuni.

Gli anni '40 furono un decennio importante per Rothko, uno in cui attraversò molte trasformazioni di stile, emergendo da esso con i classici dipinti colorfield che sono principalmente associati a lui. Secondo suo figlio, Christopher Rothko in MARK ROTHKO, The Decisive Decade 1940-1950, Rothko ha avuto cinque o sei stili diversi in questo decennio, ognuno dei quali è cresciuto rispetto al precedente. Sono: 1) figurativo (c.1923-40); 2. Surrealista - Basato sul mito (1940-43); 3. Surrealista - Estratto (1943-46); 4. Multiforme (1946-48); 5. Transizionale (1948-49); 6. Classico / Colorfield (1949-70). "

Qualche tempo fa, nel 1940, Rothko realizza la sua ultima pittura figurativa, quindi sperimenta il Surrealismo e alla fine elimina completamente qualsiasi suggerimento figurale nei suoi dipinti, astrattandoli ulteriormente e ridimensionandoli a forme indeterminate che fluttuano nei campi di colore - Multiforms come sono stati chiamati da altri - che sono stati fortemente influenzati dallo stile pittorico di Milton Avery. Le Multiforme sono le prime vere astrazioni di Rothko, mentre la loro tavolozza prefigura la tavolozza dei dipinti del campo di colore a venire. Chiarisce ulteriormente la sua intenzione, eliminando le forme, e inizia i suoi dipinti a colori nel 1949, usando il colore ancora più espressamente per creare monumentali rettangoli fluttuanti e per comunicare la gamma di emozioni umane all'interno loro.

Rothko è famoso per i suoi dipinti a colori, che iniziò a dipingere alla fine degli anni '40. Questi dipinti erano dipinti molto più grandi, che riempivano quasi un'intera parete dal pavimento al soffitto. In questi dipinti ha usato il tecnica antimacchia, inizialmente sviluppato da Helen Frankenthaler. Applicerebbe strati di vernice diluita sulla tela per creare due o tre rettangoli astratti dai bordi morbidi e luminosi.

Rothko ha affermato che i suoi dipinti erano grandi al fine di rendere lo spettatore parte dell'esperienza piuttosto che separato dal dipinto. In effetti, ha preferito che i suoi dipinti fossero mostrati insieme in una mostra per creare un maggiore impatto di essere contenuti o avvolti dai dipinti, piuttosto che essere frantumati da altre opere d'arte. Disse che i dipinti erano monumentali non per essere "grandiosi", ma in realtà per essere più "intimi e umani". Secondo il Galleria Phillips a Washington, DC, "Le sue grandi tele, tipiche del suo stile maturo, stabiliscono una corrispondenza individuale con lo spettatore, dando una scala umana all'esperienza del dipinto e intensificando gli effetti del colore. Di conseguenza, i dipinti producono nello spettatore sensibile un senso dell'eterea e uno stato di contemplazione spirituale. Solo attraverso il colore, applicato a rettangoli sospesi all'interno di composizioni astratte, il lavoro di Rothko evoca forti emozioni che vanno dall'esuberanza e dal timore reverenziale alla disperazione e all'ansia, suggerite dalla sua natura sospesa e indeterminata le forme."

Nel 1960 la Phillips Gallery costruì una stanza speciale dedicata alla visualizzazione del dipinto di Mark Rothko, chiamato La sala Rothko. Contiene quattro dipinti dell'artista, un dipinto su ogni parete di una piccola stanza, che conferisce allo spazio una qualità meditativa.

Alla fine degli anni '40, Rothko smise di dare alle sue opere titoli convenzionali, preferendo invece differenziarli per colore o numero. Per quanto abbia scritto sull'arte durante la sua vita, come nel suo libro The Artist's Reality: Philosophies on Art, scritto su 1940-41, iniziò a smettere di spiegare il significato del suo lavoro con i suoi dipinti a colori, affermando che "Il silenzio è così accurata."

È l'essenza della relazione tra lo spettatore e il dipinto che è importante, non le parole che lo descrivono. I dipinti di Mark Rothko devono essere vissuti di persona per essere veramente apprezzati.

Kennicot Philip, Due camere, 14 Rothkos e un mondo di differenza, Washington Post, 20 gennaio 2017

Mark Rothko, National Gallery of Art, presentazione

Mark Rothko (1903-1970), Biografia, The Phillips Collection

Mark Rothko, MOMA

Mark Rothko: The Artist's Reality, http://www.radford.edu/rbarris/art428/mark%20rothko.html

La meditazione e l'arte moderna si incontrano nella cappella di Rothko, NPR.org, 1 marzo 2011

O'Neil, Lorena, ,La spiritualità di Mark Rothko The Daily Dose, dic. 23 2013 http://www.ozy.com/flashback/the-spirituality-of-mark-rothko/4463

Cappella Rothko

L'eredità di Rothko, PBS NewsHour, ago. 5, 1998