Cosa devi sapere su Commedia Dell'Arte

Commedia dell'arte, conosciuta anche come "commedia italiana", era una divertente rappresentazione teatrale interpretata da attori professionisti che viaggiarono in troupe in tutta Italia nel XVI secolo.

Gli spettacoli si sono svolti su palcoscenici temporanei, principalmente sulle strade della città, ma occasionalmente anche nei luoghi di corte. Il migliore troupes - in particolare Gelosi, Confidenti e Fedeli - si esibirono in palazzi e divennero famosi a livello internazionale una volta che viaggiarono all'estero.

Musica, danza, dialoghi spiritosi e ogni tipo di inganno hanno contribuito agli effetti comici. Successivamente, la forma d'arte si diffuse in tutta Europa, con molti dei suoi elementi che persistono anche nel teatro moderno.

Dato il vasto numero di dialetti italiani, come si farebbe capire una compagnia turistica?

Apparentemente, non è stato fatto alcun tentativo di cambiare il dialetto della performance da regione a regione.

Anche quando si esibisse un'azienda locale, gran parte del dialogo non sarebbe stato compreso. Indipendentemente dalla regione, il personaggio spesso usato

L'impatto di commedia dell'arte sull'europeo Dramma può essere visto nella pantomima francese e nell'arlecchino inglese. Le compagnie di ensemble si esibivano generalmente in Italia, sebbene una compagnia chiamata il Comédie-Italienne fu fondato a Parigi nel 1661. Il commedia dell'arte sopravvisse agli inizi del XVIII secolo solo grazie alla sua vasta influenza sulle forme drammatiche scritte.

Non c'erano set elaborati commedia. La messa in scena, ad esempio, era minimalista, con raramente qualcosa di più di un mercato o di una scena di strada, e le scene erano spesso strutture esterne temporanee. Invece, è stato fatto un grande uso di oggetti di scena tra cui animali, cibo, mobili, dispositivi di irrigazione e armi. Il personaggio Arlecchino portava due bastoncini legati insieme, il che faceva un forte rumore all'impatto. Questo ha dato alla luce la parola "slapstick".

Nonostante il suo spirito esternamente anarchico, commedia dell'arte era un'arte altamente disciplinata che richiedeva sia virtuosismo che un forte senso di recitazione d'insieme. Il talento unico di commedia gli attori dovevano commedia improvvisata attorno a uno scenario prestabilito. Durante l'atto, si sono reciprocamente reagiti o alle reazioni del pubblico e si sono avvalsi di Lazzi (routine speciali provate che potrebbero essere inserite nelle rappresentazioni in punti comodi per intensificare la commedia), numeri musicali e dialoghi estemporanei per variare gli eventi sul palco.

Le maschere hanno costretto gli attori a proiettare le emozioni dei loro personaggi attraverso il corpo. Balzi, burattini, gag di scorta (burle e Lazzi), gesti osceni e buffonate schiaffeggiate sono state incorporate nei loro atti.

Gli attori del commedia rappresentava tipi sociali fissi. Questi tipi inclusi tipi fissi, ad esempio, vecchi sciocchi, servi subdoli o ufficiali militari pieni di falsa spavalderia. Personaggi come Pantalone (il miseramente mercante veneziano), Dottore Gratiano (il pedante di Bologna), o Arlecchino (il malizioso servitore bergamasco), iniziò come satira sui "tipi" italiani e divenne il archetipi di molti dei personaggi preferiti del teatro europeo del 17 ° e 18 ° secolo.

• Arlecchino era il più famoso. Era un acrobata, uno spirito, infantile e amoroso. Indossava una maschera simile a un gatto e abiti color eterogeneo e portava una mazza o una spada di legno.
• Brighella era il cavallino di Arlecchino. Era più furbo e sofisticato, un cattivo codardo che avrebbe fatto qualsiasi cosa per soldi.
• Il Capitano (il capitano) era una caricatura del soldato professionista: audace, spavaldo e codardo.
• Il Dottore (il dottore) era una caricatura dell'apprendimento che era pomposo e fraudolento.
• pantalone era una caricatura del mercante veneziano, ricca e in pensione, cattiva e avara, con una giovane moglie o una figlia avventurosa.
• Pedrolino era un sognatore dalla faccia bianca e moonstruck e il precursore del pagliaccio moderno.
• Pulcinella, come si vede negli spettacoli inglese Punch e Judy, era una gobba nana con il naso storto. Era uno scapolo crudele che inseguiva belle ragazze.
• Scarramuccia, vestito di nero e con una spada appuntita, era il Robin Hood del suo tempo.
• Il bello inamorato (l'amante) ha preso molti nomi. Non indossava alcuna maschera e doveva essere eloquente per eseguire discorsi di amore.
• Il inamorata era la sua controparte femminile; Isabella Andreini era la più famosa. Il suo servitore, di solito chiamava Columbina, era l'amato di Arlecchino. Spiritosa, brillante e appassionata, ha sviluppato personaggi come Harlequine e Pierrette.
• La Ruffiana era una donna anziana, o la madre o un pettegolezzo del villaggio che ha contrastato gli innamorati.
• Cantarina e Ballerina spesso prendevano parte alla commedia, ma per la maggior parte il loro compito era cantare, ballare o suonare musica.

C'erano molti altri personaggi minori, alcuni dei quali erano associati a una particolare regione d'Italia, come ad esempio Peppe Nappa (Sicilia), Gianduia (Torino), Stenterello (Toscana), Rugantino (Roma) e Meneghino (Milano).

Il pubblico è stato in grado di capire il tipo di persona che gli attori rappresentavano attraverso l'abito di ogni personaggio. Per l'elaborazione, capi larghi si alternano a colori molto stretti e contrastanti che contrastano con abiti monocromatici. Tranne il inamorato, i maschi si identificherebbero con costumi e semimaschere specifici per il personaggio. Il Zanni (precursore del pagliaccio), ad esempio Arlecchino, ad esempio, sarebbe immediatamente riconoscibile per la sua maschera nera e il costume patchwork.

Mentre il inamorato e i personaggi femminili non indossavano né maschere né costumi unici per quel personaggio, alcune informazioni potevano ancora essere ricavate dai loro vestiti. Il pubblico sapeva cosa indossavano di solito i membri delle varie classi sociali e si aspettava che certi colori rappresentassero determinati stati emotivi.

Tutti i tipi di personaggi fissi, le figure di divertimento o satira, indossava maschere di cuoio colorate. I loro opposti, in genere coppie di giovani amanti attorno ai quali ruotavano le storie, non avevano bisogno di tali dispositivi. Nel moderno teatro artigianale italiano, le maschere sono ancora create nell'antica tradizione di carnacialesca.

L'inclusione della musica e della danza in commedia la performance richiedeva che tutti gli attori avessero queste capacità. Spesso alla fine di un brano, anche il pubblico ha partecipato alle feste.