Rococò e gli eleganti disegni del periodo tardo barocco

Rococò descrive un tipo di arte e architettura che iniziò in Francia a metà del 1700. È caratterizzato da ornamenti delicati ma sostanziali. Spesso classificato semplicemente come "in ritardo Barocco, "Le arti decorative rococò fiorirono per un breve periodo prima Neoclassicismo spazzato il mondo occidentale.

Il rococò è un periodo piuttosto che uno stile specifico. Spesso questa era del 18 ° secolo è chiamata "il Rococò", un periodo che inizia all'incirca con la morte del re Sole francese, Luigi XIV nel 1715, fino al Rivoluzione francese nel 1789. Era Il tempo pre-rivoluzionario della Francia di secolarismo crescente e crescita continua di quello che divenne noto come borghesia o classe media. I patroni delle arti non erano esclusivamente reali e aristocratici, quindi artisti e artigiani erano in grado di commercializzare a un pubblico più ampio di consumatori della classe media. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) composto non solo per i reali austriaci ma anche per il pubblico.

Il periodo rococò in Francia fu di transizione. La cittadinanza non era legata al nuovo re Luigi XV, che aveva solo cinque anni. Il periodo tra il 1715 e quando Luigi XV divenne maggiorenne nel 1723 è anche noto come Régence, un tempo in cui il governo francese era gestito da un "reggente", che trasferì il centro del governo a Parigi dall'opulenta Versailles. Gli ideali della democrazia hanno alimentato questo Age of Reason (noto anche come l'Illuminismo) quando la società si stava liberando dalla sua monarchia assoluta. La scala è stata ridimensionata - i dipinti sono stati dimensionati per saloni e commercianti d'arte invece di gallerie di palazzo - e l'eleganza è stata misurata in piccoli oggetti pratici come lampadari e zuppiere.

Uno stile di architettura e decorazione, principalmente di origine francese, che rappresenta la fase finale del barocco intorno alla metà del XVIII secolo. caratterizzato da ornamenti abbondanti, spesso semi-astratti e leggerezza di colore e peso. - Dizionario di architettura e costruzione

Le caratteristiche del Rococò includono l'uso di curve e pergamene elaborate, ornamenti a forma di conchiglie e piante e intere stanze di forma ovale. I motivi erano intricati e i dettagli delicati. Confronta le complessità del c. 1740 camera ovale mostrata sopra all'Hôtel de Soubise di Parigi con l'oro autocratico nella camera del re di Francia Luigi XIV al Palazzo di Versailles, c. 1701. In Rococò, le forme erano complesse e non simmetriche. I colori erano spesso chiari e pastello, ma non senza un forte tocco di luminosità e luce. L'applicazione dell'oro era intenzionale.

"Laddove il barocco era pesante, massiccio e travolgente", scrive il professore di belle arti William Fleming, "il rococò è delicato, leggero e affascinante. "Non tutti sono rimasti incantati da Rococò, ma questi architetti e artisti hanno corso dei rischi che altri avevano precedentemente non.

I pittori dell'era rococò erano liberi non solo di creare grandi murales per grandi palazzi, ma anche di opere più piccole e delicate che potevano essere esposte nei saloni francesi. I dipinti sono caratterizzati dall'uso di colori tenui e contorni sfocati, linee curve, ornamenti dettagliati e mancanza di simmetria. L'argomento dei dipinti di questo periodo è diventato più audace, alcuni dei quali possono persino essere considerati pornografici per gli standard odierni.

Durante il 1700, uno stile altamente ornamentale di arte, mobili e design d'interni divenne popolare in Francia. Chiamato Rococò, lo stile sontuoso ha unito la delicatezza del francese rocaille con l'italiano baroccoo dettagli barocchi. Orologi, cornici, specchi, mensole e candelabri erano alcuni degli oggetti utili abbelliti per essere conosciuti collettivamente come "arti decorative".

In francese, la parola rocaille si riferisce a rocce, conchiglie e gli ornamenti a forma di conchiglia utilizzati sulle fontane e le arti decorative dell'epoca. I candelieri in porcellana italiana decorati con pesci, conchiglie, foglie e fiori erano disegni comuni del 18 ° secolo.

Generazioni sono cresciute in Francia credendo Assolutismo, che il re fu autorizzato da Dio. Alla morte del re Luigi XIV, venne messa in discussione la nozione di "diritto divino dei re" e venne svelato un nuovo secolarismo. La manifestazione del cherubino biblico divenne il putti birichino, a volte birichino nei dipinti e nelle arti decorative del tempo rococò.

Se qualcuno di questi candelabri sembra leggermente familiare, potrebbe essere che molti dei personaggi di Walt Disney siano presenti La bella e la bestia sono in stile rococò. Il personaggio del candeliere Disney, Lumiere, in particolare, sembra il lavoro dell'orafo francese Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), il cui candelabro iconico, c. 1735 è stato spesso imitato. Non è sorprendente scoprire che la fiaba La Belle et la Bête fu raccontato in una pubblicazione francese del 1740, l'era del Rococò. Lo stile Walt Disney era proprio sul pulsante.

I tre pittori rococò più noti sono Jean Antoine Watteau, François Boucher e Jean-Honore Fragonard.

Il dettaglio del dipinto del 1717 mostrato qui, Les Plaisirs du Bal o The Pleasure of the Dance di Jean Antoine Watteau (1684-1721), è tipico del primo periodo rococò, un'era di cambiamenti e contrasti. L'ambientazione è sia all'interno che all'esterno, all'interno di una grande architettura e aperta al mondo naturale. Le persone sono divise, forse per classe, e raggruppate in modo tale da non poter mai unirsi. Alcune facce sono distinte e altre sfocate; alcuni hanno le spalle rivolte verso lo spettatore, mentre altri sono impegnati. Alcuni indossano abiti luminosi e altri sembrano oscurati come se fossero fuggiti da un dipinto di Rembrandt del 17 ° secolo. Il paesaggio di Watteau è del tempo, anticipando il tempo a venire.

François Boucher (1703-1770) è oggi noto come il pittore di dee e padrone audacemente sensuali, tra cui il dea Diane in varie pose, il Mistress Brune reclinata e seminuda, e il reclinabile, nuda padrona bionda. La stessa "posa da padrona" è usata per a dipinto di Louise O'Murphy, amico intimo del re Luigi XV. Il nome di Boucher è talvolta sinonimo di arte rococò come lo è il nome del suo famoso patrono, Madame de Pompadour, l'amante preferita del re.

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), uno studente di Boucher, è noto per aver creato il dipinto rococò per antonomasia—L'altalena c. 1767. Frequentemente imitato fino ad oggi, L'Escarpolette è allo stesso tempo frivolo, cattivo, giocoso, ornato, sensuale e allegorico. Si pensa che la signora sull'altalena sia l'ennesima amante di un altro mecenate delle arti.

Man mano che gli utensili a mano diventano più raffinati nel 18 ° secolo, anche i processi sviluppati con tali strumenti sono stati sviluppati. L'intarsio è un elaborato processo di intarsio di disegni in legno e avorio su un pezzo di impiallacciatura da fissare ai mobili. L'effetto è simile a parquet, un modo per creare disegni in pavimenti in legno. Qui è mostrato un dettaglio di intarsi del comò Minerva e Diana di Thomas Chippendale, 1773, considerato da alcuni come il miglior lavoro dell'ebanista inglese.

I mobili francesi realizzati tra il 1715 e il 1723, prima che Luigi XV diventasse maggiorenne, sono generalmente chiamati Régence francese, da non confondere con la Reggenza inglese, avvenuta circa un secolo dopo. In Gran Bretagna, la regina Anna e gli ultimi tempi di William e Mary erano popolari durante la Régence francese. In Francia, lo stile impero corrisponde alla reggenza inglese.

I mobili Luigi XV potrebbero essere riempiti di intarsi, come una specchiera in quercia in stile Luigi XV, oppure riccamente decorato e dorato con l'oro, come il tavolo in legno intagliato Luigi XV con piano in marmo, XVIII secolo, Francia. In Gran Bretagna, la tappezzeria era vivace e audace, come l'arte decorativa inglese, il divano in noce con l'arazzo Soho, c. 1730.

Mentre elaborata architettura barocca si trova in Francia, Italia, Inghilterra, Spagna e Sud America, gli stili rococò più morbidi hanno trovato casa in Germania, Austria, Europa orientale e Russia. Sebbene il rococò fosse in gran parte limitato alla decorazione d'interni e alle arti decorative nell'Europa occidentale, l'Europa orientale fu infatuata dagli stili rococò sia all'interno che all'esterno. Rispetto al barocco, l'architettura rococò tende ad essere più morbida e più aggraziata. I colori sono pallidi e dominano le forme curve.

Caterina I, imperatrice di Russia dal 1725 fino alla sua morte nel 1727, fu una delle grandi donne dominatrici del XVIII secolo. Il palazzo chiamato per lei vicino a San Pietroburgo fu iniziato nel 1717 da suo marito, Pietro il Grande. Nel 1756 fu ampliato per dimensioni e gloria proprio per competere con la Versailles in Francia. Si dice che Caterina la Grande, imperatrice di Russia dal 1762 al 1796, disapprovasse fortemente la stravaganza rococò.

Il Palazzo del Belvedere a Vienna, in Austria, è stato progettato dall'architetto Johann Lukas von Hildebrandt (1668-1745). Il Belvedere inferiore fu costruito tra il 1714 e il 1716 e il Belvedere superiore fu costruito tra il 1721 e il 1723, due imponenti palazzi estivi barocchi con decorazioni di epoca rococò. Marble Hall è nel palazzo superiore. L'artista rococò italiano Carlo Carlone fu incaricato degli affreschi del soffitto.

Gli interni esuberanti in stile rococò possono essere sorprendenti. L'austera architettura esterna delle chiese tedesche di Dominikus Zimmermann non accenna nemmeno a ciò che è dentro. Le chiese di pellegrinaggio bavaresi del XVIII secolo di questo maestro in stucco sono studi su due fronti dell'architettura - o è arte?

Dominikus Zimmermann nacque il 30 giugno 1685 nella zona di Wessobrunn, in Baviera, in Germania. L'abbazia di Wessobrunn era il luogo in cui i giovani andavano a imparare l'antica arte della lavorazione dello stucco e Zimmerman non faceva eccezione, diventando parte di quella che divenne nota come la scuola Wessobrunner.

Entro il 1500, la regione era diventata una destinazione per i credenti cristiani nei miracoli di guarigione, e i leader religiosi locali incoraggiavano e perpetuavano l'attrazione dei pellegrini esterni. Zimmermann fu arruolato per costruire luoghi di raccolta per miracoli, ma la sua reputazione si basa solo su due chiese costruite per i pellegrini—Wieskirche a Wies e Steinhausen nel Baden-Württemberg. Entrambe le chiese hanno esterni semplici e bianchi con tetti colorati, allettanti e non minacciosi pellegrino comune in cerca di un miracolo di guarigione, eppure entrambi gli interni sono punti di riferimento del decorativo rococò bavarese stucco.

L'architettura rococò fiorì nelle città della Germania meridionale nel 1700, originando dal design barocco francese e italiano del giorno.

L'arte di usare l'antico materiale da costruzione, lo stucco, per levigare le pareti irregolari era prevalente e facilmente trasformabile in un finto marmo chiamato scagliola (skal-YO-la): un materiale più economico e più facile da lavorare rispetto alla creazione di pilastri e colonne di pietra. La competizione locale per gli artisti dello stucco consisteva nell'utilizzare l'intonaco pastoso per trasformare l'artigianato in arte decorativa.

Uno si domanda se i maestri di stucchi tedeschi fossero costruttori di chiese per Dio, servitori di pellegrini cristiani o promotori della propria arte.

"L'illusione, in effetti, è ciò di cui parla il rococò bavarese, e si applica ovunque", afferma lo storico Olivier Bernier in Il New York Times"Anche se i bavaresi erano e rimangono devoti cattolici, è difficile non sentire che c'è qualcosa di delizioso non religiosi riguardo alle loro chiese del 18 ° secolo: più come un incrocio tra salone e teatro, sono pieni di amabili Dramma."

Il primo successo di Zimmerman, e forse la prima chiesa rococò nella regione, fu la chiesa del villaggio di Steinhausen, completata nel 1733. L'architetto ha arruolato suo fratello maggiore, il maestro dell'affresco Johann Baptist, per dipingere meticolosamente l'interno di questa chiesa di pellegrinaggio. Se Steinhausen fu la prima, la chiesa di pellegrinaggio di Wies del 1754, qui mostrata, è considerata il punto più alto della decorazione rococò tedesca, completa di una allegorica Porta del Paradiso nel soffitto. Questo rurale Chiesa nel prato fu di nuovo opera dei fratelli Zimmerman. Dominikus Zimmerman ha usato la sua abilità nella lavorazione di stucchi e marmi per costruire il sontuoso santuario ornato all'interno dell'architettura piuttosto semplice e ovale, come aveva fatto per la prima volta a Steinhausen.

Gesamtkunstwerke è la parola tedesca che spiega il processo di Zimmerman. Significa "opere d'arte totali", descrive la responsabilità dell'architetto sia per il design esterno che per quello interno delle loro strutture: la costruzione e la decorazione. Architetti più moderni, come l'americano Frank Lloyd Wright, hanno anche abbracciato questo concetto di controllo architettonico, dentro e fuori. Il 18 ° secolo fu un periodo di transizione e, forse, l'inizio del mondo moderno in cui viviamo oggi.

In Spagna e nelle sue colonie divenne nota l'elaborazione elaborata di stucchi churrigueresco dopo l'architetto spagnolo José Benito de Churriguera (1665-1725). L'influenza del rococò francese può essere vista qui nell'alabastro scolpito da Ignacio Vergara Gimeno su progetto dell'architetto Hipolito Rovira. In Spagna, negli anni sono stati aggiunti dettagli elaborati sia all'architettura ecclesiastica come Santiago de Compostela che alle residenze secolari, come questa dimora gotica del Marchese de Dos Aguas. La ristrutturazione del 1740 avvenne durante l'ascesa del rococò nell'architettura occidentale, che è un piacere per il visitatore di quello che oggi è il Museo Nazionale della Ceramica.

I dipinti con soggetto allegorico erano comuni agli artisti che non erano vincolati al dominio aristocratico. Gli artisti si sono sentiti liberi di esprimere idee che sarebbero state viste da tutte le classi. Il dipinto mostrato qui, Verità che svela il tempo nel 1733 di Jean-François de Troy, è una scena del genere.

Il dipinto originale appeso alla National Gallery di Londra impersona le quattro virtù a sinistra: fortezza, giustizia, temperanza e prudenza. In questo dettaglio non si vede l'immagine di un cane, il simbolo della fedeltà, seduto ai piedi delle virtù. Arriva padre Time, che rivela sua figlia, la verità, che a sua volta estrae la maschera dalla donna a destra, forse il simbolo della frode, ma certamente un essere dalla parte opposta delle virtù. Con il Pantheon di Roma sullo sfondo, un nuovo giorno viene smascherato. Profeticamente, il Neoclassicismo basato sull'architettura dell'antica Grecia e di Roma, come il Pantheon, avrebbe dominato il secolo successivo.

Madame de Pompadour, la musa amante del re Luigi XV, morì nel 1764 e il re stesso morì nel 1774 dopo decenni di guerra, opulenza aristocratica e fioritura dei francesi Terza proprietà. Il prossimo in fila, Luigi XVI, sarebbe l'ultimo della Camera di Borbone a governare la Francia. Il popolo francese abolì la monarchia nel 1792 e sia il re Luigi XVI che sua moglie, Maria Antonietta, furono decapitati.

Il periodo rococò in Europa è anche un periodo in cui nacquero i padri fondatori d'America: George Washington, Thomas Jefferson, John Adams. The Age of Enlightenment culminò nella rivoluzione, sia in Francia che nella nuova America, quando dominarono la ragione e l'ordine scientifico. "Libertà, uguaglianza e fratellanza"era lo slogan della Rivoluzione francese e il rococò di eccesso, frivolezza e monarchie era finito.

Il professor Talbot Hamlin, della FAIA, della Columbia University, ha scritto che il 18 ° secolo è stato trasformativo nel modo in cui viviamo - che le case del 17 ° secolo sono musei oggi, ma le abitazioni del 18 ° secolo sono ancora residenze funzionali, praticamente costruite a misura d'uomo e progettate per convenienza. "La ragione che aveva iniziato a occupare un posto così importante nella filosofia del tempo", scrive Hamlin, "è diventata la luce guida dell'architettura".

• Lo splendore rococò della Baviera di Olivier Bernier, Il New York Times, 25 marzo 1990 [accesso al 29 giugno 2014]
• Guida allo stile: rococò, Victoria and Albert Museum [accesso al 13 agosto 2017]
• Dizionario di architettura e costruzione, Cyril M. Harris, ed., McGraw-Hill, 1975, p, 410
• Arti e idee, Third Edition, di William Fleming, Holt, Rinehart e Winston, pagg. 409-410
• Palazzo di Caterina su saint-petersburg.com [accesso al 14 agosto 2017]
• Architettura attraverso i secoli di Talbot Hamlin, Putnam, Revised 1953, pagg. 466, 468