Un breve tour dell'arte attraverso i secoli

Indossa le tue scarpe sensibili mentre ci imbarchiamo in estremamente tour abbreviato dell'arte attraverso i secoli. Lo scopo di questo pezzo è quello di colpire i punti salienti e fornirti le basi più elementari sulle diverse epoche della storia dell'arte.

paleolitico i popoli erano strettamente cacciatori-raccoglitori e la vita era dura. Gli umani hanno fatto un salto gigantesco nel pensiero astratto e hanno iniziato a creare arte durante questo periodo. La materia si è concentrata su due cose: il cibo e la necessità di creare più umani.

Il ghiaccio iniziò a ritirarsi e la vita divenne un po 'più facile. Il Periodo mesolitico (che è durato più a lungo nel nord Europa rispetto al Medio Oriente) ha visto la pittura spostarsi dalle grotte e sulle rocce. La pittura divenne anche più simbolica e astratta.

Avanti veloce al Età neolitica, completo di agricoltura e animali domestici. Ora che il cibo era più abbondante, le persone hanno avuto il tempo di inventare strumenti utili come scrivere e misurare. La parte di misurazione deve essere tornata utile per i costruttori di megaliti.

Va notato che l'arte "Stone Age" ha continuato a prosperare in tutto il mondo per un certo numero di culture, fino ad oggi. "Etnografico" è un termine utile che qui significa: "Non seguire la strada dell'arte occidentale".

La "terra tra i fiumi" ha visto un numero incredibile di culture salire e scendere dal potere. Il Sumeri ci ha dato ziggurat, templi e molte sculture di divinità. Ancora più importante, hanno unificato elementi naturali e formali nell'arte. Il Accadi introdusse la stele della vittoria, le cui sculture ci ricordano per sempre della loro abilità in battaglia. Il Babilonesi migliorato sulla stele, usandola per registrare il primo codice di legge uniforme. Il Assiri si scatenò con l'architettura e la scultura, sia in rilievo che a tutto tondo. Alla fine, è stato il Persiani che mise l'intera area - e la sua arte - sulla mappa, mentre conquistavano terre adiacenti.

L'arte nell'antico Egitto era arte per i morti. Gli egiziani costruirono tombe, piramidi (tombe elaborate) e la Sfinge (anche una tomba) e le decorarono con immagini colorate degli dei che credevano fossero governati nell'aldilà.

Il Minoan cultura, a Creta, e il Micenei in Grecia ci ha portato affreschi, architettura aperta e ariosa e idoli di marmo.

I Greci introdussero l'educazione umanistica, che si riflette nella loro arte. La ceramica, la pittura, l'architettura e la scultura si sono evoluti in oggetti elaborati, altamente realizzati e decorati che hanno glorificato la più grande creazione di tutti: gli umani.

Sulla penisola italiana, gli Etruschi abbracciarono il Età del bronzo in grande stile, producendo sculture degne di nota per essere stilizzate, ornamentali e piene di movimento implicito. Erano anche produttori entusiasti di tombe e sarcofagi, non diversamente dagli egiziani.

Mentre salivano alla ribalta, i romani per primi tentarono di spazzare via Arte etrusca, seguito da numerosi attacchi a Arte greca. Prendendo in prestito liberamente da queste due culture conquistate, i romani hanno creato il loro stile, uno che sempre più rappresentava energia. L'architettura divenne monumentale, le sculture raffigurarono divinità, dee e cittadini di spicco ribattezzati e, nella pittura, il paesaggio fu introdotto e gli affreschi divennero enormi.

L'arte paleocristiana rientra in due categorie: quella del periodo di persecuzione (fino all'anno 323) e quella che seguì Costantino il Grande cristianesimo riconosciuto: il periodo del riconoscimento. Il primo è noto principalmente per la costruzione di catacombe e arte portatile che potrebbero essere nascoste. Il secondo periodo è caratterizzato dalla costruzione attiva di chiese, mosaici e l'ascesa del bookmaker. La scultura è stata degradata in opere solo in rilievo: qualsiasi altra cosa sarebbe stata considerata "immagini scolpite".

Non una brusca transizione, come suggeriscono le date, lo stile bizantino gradualmente si discostò dall'arte paleocristiana, proprio come la Chiesa orientale si allontanò ulteriormente da quella occidentale. L'arte bizantina è caratterizzata dall'essere più astratta e simbolica e meno interessata a qualsiasi pretesa di profondità - o alla forza di gravità - che si manifesta nei dipinti o nei mosaici. L'architettura divenne piuttosto complicata e predominarono le cupole.

Fino ad oggi, l'arte islamica è nota per essere altamente decorativa. I suoi motivi si traducono magnificamente da un calice in un tappeto all'Alhambra. L'Islam ha divieti contro l'idolatria, quindi di conseguenza abbiamo poca storia pittorica.

Questi anni furono piuttosto caotici in Europa, poiché le tribù barbariche cercavano (e cercavano e cercavano) luoghi in cui stabilirsi. Erano scoppiate frequenti guerre e la costante delocalizzazione etnica era la norma. L'arte durante questo periodo era necessariamente piccola e portatile, di solito sotto forma di spille decorative o bracciali. La brillante eccezione a questa "oscura" epoca dell'arte si verificò in Irlanda, che ebbe la grande fortuna di sfuggire all'invasione. Per un periodo.

Carlo Magno costruì un impero che non sopravvisse ai suoi litigi e nipoti inetti, ma il risveglio culturale generato dall'impero si dimostrò più durevole. I monasteri divennero piccole città in cui i manoscritti venivano prodotti in serie. L'orafo e l'uso di pietre preziose e semipreziose erano in voga.

Il sassone Il re Ottone I decise che poteva avere successo dove Carlo Magno fallì. Neanche questo ha funzionato, ma l'arte ottoniana, con le sue forti influenze bizantine, ha dato nuova vita alla scultura, all'architettura e alla lavorazione dei metalli.

Per la prima volta nella storia, l'arte è descritta da un termine altro del nome di una cultura o civiltà. L'Europa stava diventando più un'entità coesiva, tenuta insieme dal cristianesimo e dal feudalesimo. L'invenzione della volta a botte ha permesso alle chiese di diventare cattedrali e la scultura è diventata parte integrante dell'architettura. Nel frattempo, la pittura continuava principalmente nei manoscritti miniati.

"Gothic" è stato coniato per la prima volta (in modo dispregiativo) per descrivere lo stile dell'architettura di questa era, che si è bloccato a lungo dopo che la scultura e la pittura avevano lasciato la sua compagnia. Il arco gotico ha permesso la costruzione di cattedrali grandi e impennate, che sono state poi decorate con la nuova tecnologia del vetro colorato. Anche durante questo periodo, iniziamo a imparare nomi più individuali di pittori e scultori, molti dei quali sembrano ansiosi di lasciarsi alle spalle tutto ciò che è gotico. In effetti, a partire dal 1200 circa, ogni sorta di arte selvaggia le innovazioni hanno avuto inizio in Italia.

Questo era il Età d'oro di Firenze. La sua famiglia più potente, i Medici (banchieri e dittatori benevoli), ha generosamente speso infiniti fondi per la gloria e l'abbellimento della loro Repubblica. Gli artisti accorsero per una parte della generosità e costruirono, scolpirono, dipinsero e alla fine iniziarono a mettere in discussione attivamente le "regole" dell'arte. L'arte, a sua volta, divenne notevolmente più individualizzata.

Tutti i capolavori riconosciuti dal termine forfettario "Rinascimento"sono stati creati in questi anni. Leonardo, Michelangelo, Raffaello e la compagnia lo fecero superando capolavori, infatti, che quasi tutti gli artisti, per sempre, non hanno nemmeno fatto provare dipingere in questo stile. La buona notizia era che, a causa di questi Grandi del Rinascimento, essendo un artista ora era considerato accettabile.

Qui ne abbiamo un altro primo: un astratto termine per un'era artistica. Gli artisti del Rinascimento, dopo la morte di Raffaello, continuarono a perfezionare la pittura e la scultura, ma non cercavano un loro nuovo stile. Invece, hanno creato nel tecnico maniera dei loro predecessori.

Un rinascimento avvenne altrove in Europa, ma non in fasi chiaramente definite come in Italia. Paesi e regni erano indaffarati a scommettere sull'importanza (combattimenti), e c'era una notevole rottura con la Chiesa cattolica. L'arte è passata in secondo piano rispetto a questi altri eventi e gli stili sono passati dal gotico al Rinascimento al barocco in una sorta di base non coesa, artista per artista.

L'umanesimo, il Rinascimento e la Riforma (tra gli altri fattori) hanno lavorato insieme per lasciare per sempre il Medioevo alle spalle e l'arte è stata accettata dalle masse. Gli artisti del periodo barocco hanno introdotto emozioni umane, passione e nuove conoscenze scientifiche le loro opere, molte delle quali conservavano temi religiosi, a prescindere dalla Chiesa che gli artisti tenevano.

In quello che alcuni riterrebbero una mossa sconsiderata, Rococò portò l'arte barocca dalla "festa per gli occhi" alla vera e propria ghiottoneria visiva. Se l'arte o l'architettura potessero essere dorate, abbellite o altrimenti prese il sopravvento, il Rococò aggiunse ferocemente questi elementi. Come periodo, fu (misericordiosamente) breve.

Le cose si erano allentate abbastanza, a quell'epoca, che due stili diversi potevano competere per lo stesso mercato. Il neoclassicismo era caratterizzato dallo studio fedele (e dalla copia) dei classici, combinato con l'uso di elementi portati alla luce dalla nuova scienza dell'archeologia. Il romanticismo, d'altra parte, sfidava la facile caratterizzazione. Era più di un atteggiamento—Uno reso accettabile dall'Illuminismo e dall'alba della coscienza sociale. Dei due, il Romanticismo ha avuto un impatto molto maggiore sul corso dell'arte da questo momento in poi.

Ignaro dei due movimenti sopra, il realisti emerse (prima in silenzio, poi abbastanza forte) con la convinzione che la storia non avesse significato e che gli artisti non dovevano rendere nulla di ciò che non avevano sperimentato personalmente. Nel tentativo di sperimentare "cose" sono stati coinvolti in cause sociali e, non a caso, si sono spesso trovati dalla parte sbagliata dell'autorità. L'arte realistica si è sempre più staccata dalla forma e ha abbracciato luce e colore.

Dove il realismo si è allontanato dalla forma, l'impressionismo ha gettato la forma fuori dalla finestra. Gli impressionisti erano all'altezza del loro nome (che loro stessi non avevano coniato): l'arte era un'impressione, e come tale poteva essere resa interamente attraverso la luce e il colore. Il mondo fu prima oltraggiato dalla loro eliminazione, poi accettando. Con l'accettazione arrivò la fine dell'impressionismo come movimento. Missione compiuta; l'arte era ora libera di diffondersi in qualsiasi modo desiderasse.

Il impressionisti ha cambiato tutto quando la loro arte è stata accettata. Da questo punto in poi, gli artisti hanno avuto libero sfogo per sperimentare. Anche se il pubblico detestava i risultati, era ancora arte e quindi accordava un certo rispetto. I movimenti, le scuole e gli stili, in numero vertiginoso, venivano, andavano, divergevano l'uno dall'altro e talvolta si fondevano.

Non c'è modo, davvero, di accordarsi tutti di queste entità anche una breve menzione qui, quindi ora tratteremo solo alcuni dei nomi più noti.

Questo è un titolo utile per ciò che non era un movimento ma un gruppo di artisti (principalmente Cézanne, Van Gogh, Seurat e Gauguin) che passarono oltre l'impressionismo e passarono ad altre attività separate. Hanno mantenuto la luce e il colore portati dall'impressionismo ma hanno cercato di mettere alcuni degli altri elementi di l'arte - forma e linea, per esempio - indietro in arte.

I Fauves ("bestie selvagge") erano pittori francesi guidati da Matisse e Rouault. Il movimento che crearono, con i suoi colori selvaggi e le raffigurazioni di oggetti e persone primitivi, divenne noto come espressionismo e si diffuse, in particolare, in Germania.

In Francia, inventarono Picasso e Braque Cubismo, dove le forme organiche sono state suddivise in una serie di forme geometriche. La loro invenzione si dimostrerebbe elementare alla Bauhaus nei prossimi anni, oltre a ispirare la prima scultura astratta moderna.

Nel frattempo, in Italia, si è formato il futurismo. Quello che iniziò come movimento letterario si trasformò in uno stile artistico che abbracciava le macchine e l'era industriale.

Surrealismo si trattava solo di scoprire il significato nascosto dei sogni e di esprimere il subconscio. Non è un caso che Freud abbia già pubblicato i suoi rivoluzionari studi psicoanalitici prima della nascita di questo movimento.

La seconda guerra mondiale (1939-1945) interruppe qualsiasi nuovo movimento nell'arte, ma l'arte tornò con una vendetta nel 1945. Emergendo da un mondo dilaniato, Espressionismo astratto scartato tutto, comprese le forme riconoscibili, tranne l'espressione personale e l'emozione cruda.

In reazione contro l'espressionismo astratto, la Pop Art glorificava gli aspetti più banali della cultura americana e li chiamava arte. Era divertimento arte, però. E nella "vita" della metà degli anni '60, Operazione (un termine abbreviato per illusione ottica) L'arte è apparsa sulla scena, giusto in tempo per integrarsi alla perfezione con la musica psichedelica.

Negli ultimi anni, l'arte è cambiata alla velocità della luce. Abbiamo visto l'avvento di performance art, arte concettuale, arte digitale e arte d'urto, solo per citare alcune nuove offerte.

Le idee nell'arte non smetteranno mai di cambiare e andare avanti. Tuttavia, mentre ci spostiamo verso una cultura più globale, la nostra arte ci ricorderà sempre il nostro passato collettivo e rispettivo.