Parte della gioia della pittura nel 21 ° secolo è l'ampia gamma di forme espressive disponibili. La fine del XIX e XX secolo hanno visto gli artisti fare enormi passi avanti negli stili pittorici. Molte di queste innovazioni sono state influenzate dai progressi tecnologici, come l'invenzione del tubo di vernice metallica e l'evoluzione di fotografia, nonché i cambiamenti nelle convenzioni sociali, nella politica e nella filosofia, insieme agli eventi mondiali.
Questo elenco delinea sette principali stili artistici (a volte indicati come "scuole" o "movimenti"), alcuni molto più realistici di altri. Anche se non farai parte del movimento originale, il gruppo di artisti che generalmente condividevano lo stesso dipingendo stile e idee in un momento specifico della storia, puoi ancora dipingere negli stili che hanno usato. Imparando questi stili e vedendo ciò che gli artisti che lavorano in essi creati e poi sperimentando tu stesso approcci diversi, puoi iniziare a sviluppare e coltivare il tuo stile.
Il realismo, in cui il soggetto del dipinto assomiglia molto alla cosa reale piuttosto che essere stilizzato o astratto, è lo stile che molte persone pensano di come "vera arte". Solo quando esaminati da vicino quelli che sembrano colori solidi si rivelano come una serie di pennellate di molti colori e valori.
Il realismo è stato lo stile dominante della pittura sin dal Rinascimento. L'artista usa la prospettiva per creare un'illusione di spazio e profondità, impostando la composizione e l'illuminazione in modo tale che il soggetto appaia reale. Leonardo da Vinci "Monna Lisa"è un classico esempio di stile.
Lo stile Painterly è apparso come Rivoluzione industriale spazzò l'Europa nella prima metà del XIX secolo. Liberati dall'invenzione del tubo di vernice metallica, che ha permesso agli artisti di uscire dallo studio, i pittori hanno iniziato a concentrarsi sulla pittura stessa. I soggetti venivano resi realisticamente, tuttavia i pittori non fecero alcuno sforzo per nascondere il loro lavoro tecnico.
Come suggerisce il nome, l'enfasi è sull'atto della pittura: il carattere della pennellata e dei pigmenti stessi. Gli artisti che lavorano in questo stile non cercano di nascondere ciò che è stato usato per creare il dipinto levigando la trama o i segni lasciati nella vernice da un pennello o altri strumenti, come una spatola. I dipinti di Henri Matisse sono eccellenti esempi di questo stile.
L'impressionismo è emerso nel 1880 in Europa, dove artisti come Claude Monet hanno cercato di catturare la luce, non attraverso i dettagli del realismo, ma con gesti e illusioni. Non è necessario avvicinarsi troppo alle ninfee di Monet o ai girasoli di Vincent Van Gogh per vedere le audaci pennellate di colore, tuttavia, non c'è dubbio che cosa stai guardando.
Gli oggetti mantengono il loro aspetto realistico ma hanno una vivacità su di loro unica per questo stile. È difficile credere che quando gli impressionisti mostrarono per la prima volta le loro opere, la maggior parte dei critici la odiava e la ridicolizzava. Quello che allora era considerato uno stile di pittura incompiuto e grezzo è ora amato e riverito.
Espressionismo e Fauvismo sono stili simili che hanno iniziato ad apparire negli studi e nelle gallerie all'inizio del XX secolo. Entrambi sono caratterizzati dal loro uso di colori audaci e irrealistici scelti non per rappresentare la vita così com'è, ma piuttosto, come si sente o appare all'artista.
I due stili differiscono per alcuni aspetti. Gli espressionisti, incluso Edvard Munch, hanno cercato di trasmettere il grottesco e l'orrore nella vita di tutti i giorni, spesso con pennellate iper-stilizzate e immagini orribili, come ha usato con grande effetto nel suo pittura "L'urlo."
I fauvisti, nonostante il loro romanzo uso del colore, cercarono di creare composizioni che rappresentassero la vita in una natura idealizzata o esotica. Pensa alle allegre ballerine di Henri Matisse o alle scene pastorali di George Braque.
Mentre i primi decenni del 20 ° secolo si svolgevano in Europa e in America, la pittura divenne meno realistica. L'astrazione riguarda la pittura dell'essenza di un soggetto mentre l'artista lo interpreta, piuttosto che i dettagli visibili. Un pittore può ridurre il soggetto ai suoi colori, forme o motivi dominanti, come Pablo Picasso fatto con il suo famoso murale di tre musicisti. Gli attori, con linee e angoli netti, non sembrano affatto reali, ma non c'è dubbio su chi siano.
Oppure un artista potrebbe rimuovere il soggetto dal suo contesto o allargarne la scala, come ha fatto Georgia O'Keeffe nel suo lavoro. I suoi fiori e conchiglie, spogliati dei loro dettagli e fluttuanti su sfondi astratti, possono assomigliare a paesaggi da sogno.
Il lavoro puramente astratto, come gran parte del movimento espressionista astratto degli anni '50, evita attivamente il realismo, crogiolandosi nell'abbraccio del soggettivo. Il soggetto o il punto del dipinto sono i colori usati, il textures nell'opera e i materiali impiegati per crearla.
I dipinti a goccia di Jackson Pollock potrebbero sembrare un pasticcio gigantesco per alcuni, ma non si può negare che murales come "Numero 1 (nebbia di lavanda)" hanno una qualità dinamica e cinetica che trattiene il tuo interesse. Altri artisti astratti, come Mark Rothko, hanno semplificato il loro soggetto ai colori stessi. Le opere a colori come i suoi capolavori del 1961 "Arancione, Rosso e Giallo" sono proprio questo: tre blocchi di pigmento in cui puoi perderti.
Il fotorealismo si è sviluppato alla fine degli anni '60 e '70 in risposta all'espressionismo astratto, che aveva dominato l'arte dagli anni '40. Questo stile sembra spesso più reale della realtà, dove nessun dettaglio è lasciato fuori e nessun difetto è insignificante.
Alcuni artisti copiano le fotografie proiettandole su una tela per catturare con precisione dettagli precisi. Altri lo fanno a mano libera o usano un sistema a griglia per ingrandire una stampa o una foto. Uno dei pittori fotorealistici più noti è Chuck Close, i cui colpi murali di colleghi artisti e celebrità si basano su istantanee.