Qual è la definizione di forma nell'arte?

Nello studio dell'arte, una forma è uno spazio chiuso, una forma bidimensionale limitata che ha sia lunghezza che larghezza. Le forme sono una delle sette elementi d'arte, i mattoni che gli artisti usano per creare immagini su tela e nelle nostre menti. I confini di una forma sono definiti da altri elementi d'arte come linee, valori, colori e textures; e aggiungendo valore puoi trasformare una forma in un'illusione del suo cugino tridimensionale, la forma. Come artista o qualcuno che apprezza l'arte, è importante capire fino in fondo come vengono utilizzate le forme.

Le forme sono ovunque e tutti gli oggetti hanno forma. Quando dipingi o disegni, crei una forma in due dimensioni: lunghezza e larghezza. Puoi aggiungere valore per dargli luci e ombre, rendendolo più tridimensionale.

Tuttavia, non è fino a quando la forma e la forma si incontrano, come nella scultura, che una forma diventa veramente tridimensionale. Questo perchè modulo è definito includendo una terza dimensione, profondità, alle due dimensioni piatte. L'arte astratta è l'esempio più ovvio dell'uso della forma, ma l'elemento di forma, organico e geometrico, è fondamentale per gran parte se non per la maggior parte delle opere d'arte.

Nella sua forma più semplice, viene creata una forma quando una linea è racchiusa: una linea costituisce il confine e la forma è la forma circoscritta da quel confine. Linea e forma sono due elementi nell'arte che vengono quasi sempre usati insieme. Tre linee vengono utilizzate per creare un triangolo mentre quattro linee possono formare un quadrato.

Le forme possono anche essere definite dall'artista usando valore, colore o trama per differenziarle. Le forme potrebbero includere una linea per raggiungere questo obiettivo, oppure no: ad esempio, le forme create con i collage sono definite dai bordi del materiale contrastante.

Le forme geometriche sono quelle definite in matematica e hanno nomi comuni. Hanno bordi o confini chiari e gli artisti spesso usano strumenti come goniometri e compassi per crearli, per renderli matematicamente precisi. Le forme in questa categoria includono cerchi, quadrati, rettangoli, triangoli, poligoni e così via.

Le tele hanno generalmente una forma rettangolare, che definisce implicitamente i bordi chiari e i confini di un dipinto o di una fotografia. Artisti come Reva Urban escono intenzionalmente dallo stampo rettangolare usando tele non rettangolari o aggiungendo pezzi che sporgono dai fotogrammi o aggiungendo rigonfiamenti tridimensionali, avvallamenti e sporgenze. In questo modo, Urban va oltre la bidimensionalità di un confinamento rettangolare ma fa ancora riferimento alle forme.

Arte astratta geometrica come la composizione II di Piet Mondrian in rosso, blu e giallo (1930) e Theo van Doesburg's Composition XI (1918) istituì il movimento De Stijl nei Paesi Bassi. La Apple (2001) dell'americana Sarah Morris e l'opera dell'artista di strada Maya Hayuk sono esempi più recenti di dipinti tra cui forme geometriche.

Mentre le forme geometriche sono ben definite, le forme biomorfiche o organiche sono esattamente l'opposto. Disegna una linea curva semicircolare e collegala dove hai iniziato e hai una forma organica o a forma libera simile all'ameba.

Le forme organiche sono creazioni individuali degli artisti: non hanno nomi, angoli definiti, standard e strumenti a supporto della loro creazione. Spesso si trovano in natura, dove le forme organiche possono essere amorfe come una nuvola o precise come una foglia.

Le forme organiche sono spesso utilizzate dai fotografi, come Edward Weston nella sua immagine straordinariamente sensuale Pepper No. 30 (1930); e da artisti come Georgia O'Keeffe in lei Cow's Skull: rosso, bianco e blu (1931). Artisti astratti organici includono Wassily Kandinsky, Jean Arp, e Joan Mirò.

La forma può anche funzionare con l'elemento spazio per creare spazi positivi e negativi. Lo spazio è un altro dei sette elementi e, in alcune arti astratte, definisce le forme. Ad esempio, se disegni una solida tazza di caffè nero su carta bianca, il nero è il tuo spazio positivo. Lo spazio bianco negativo attorno ad esso e tra l'impugnatura e la tazza aiuta a definire la forma base di quella tazza.

Gli spazi negativi e positivi sono stati usati con grande immaginazione da M.C. Escher, in esempi come Cielo e acqua 1 (1938), in cui le immagini scure di un'oca volante si evolvono attraverso passaggi progressivamente più chiari e poi più scuri in pesci nuotatori scuri. Artista e illustratore malese Tang Yau Hoong usa lo spazio negativo per fare commenti politici sui paesaggi urbani, moderni e antichi tatuatori usa spazi positivi e negativi combinando inchiostro e carne non tatuata.

Nelle prime fasi del disegno, gli artisti spesso suddividono i loro soggetti in forme geometriche. Questo ha lo scopo di fornire loro una base su cui creare l'oggetto più grande con più dettagli e nella proporzione corretta.

Ad esempio, quando si disegna un ritratto di un lupo, un artista potrebbe iniziare con forme geometriche di base per definire orecchie, muso, occhi e testa dell'animale. Ciò costituisce la struttura di base da cui creerà l'ultima opera d'arte. Leonardo da Vinci uomo vitruviano (1490) utilizzavano forme geometriche di cerchi e quadrati per definire e commentare l'anatomia di un maschio umano.

In qualità di osservatore acuto, puoi suddividere qualsiasi oggetto fino alla sua forma base: tutto è composto da una serie di forme base. Esplorando il lavoro dei pittori cubisti è un ottimo modo per vedere come gli artisti giocano con questo concetto elementare nell'arte.

Quadri cubisti come quello di Pablo Picasso Les Desmoiselles d'Avignon (1907) e Marcel Duchamp's Nude Descending a Staircase No. 3 (1912) usano forme geometriche come riferimenti giocosi e ossessivi alle forme organiche del corpo umano.

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